L'un des objectifs professionnels possibles de tout musicien consiste à devenir ambassadeur, c'est-à-dire promoteur de marques plus ou moins prestigieuses.
Cela s'explique non seulement par le désir de mettre la main sur des produits professionnels, très convoités, mais aussi parce que cela leur permet d'acquérir une visibilité importante sur la scène musicale.
Dans ce panorama, il tombe Manuele MontesantiManuele est très connu des claviéristes professionnels utilisant des synthétiseurs et autres instruments similaires, mais un peu moins des professeurs de piano qui se sont concentrés uniquement sur un répertoire classique traditionnel. Cette brève présentation s'impose car Manuele, en plus d'être un pianiste de fusion talentueux grâce aux exigences de son travail, est également un excellent pianiste de ce répertoire. Yamaha, également anticipé, et de loin, le très apprécié «enseignement à distance« à laquelle tout le système scolaire italien a dû faire face et fait encore face durant cette période dictée par l’urgence liée à la Covid-19. »
Quand on est pionnier dans certains processus pédagogiques, je suis personnellement le premier à être intrigué, car mes fonctions d'enseignant m'obligent à rechercher l'innovation dans une méthode pédagogique qui évolue d'année en année. Non seulement parce que cela est dicté par la structure dans laquelle nous évoluons, mais surtout en raison de la croissance tangible et inéluctable des nouvelles générations qui exigent de leurs enseignants des méthodes et un langage en phase avec les tendances contemporaines.
Par conséquent, en restant ancrés dans les processus technologiques plutôt que pédagogiques qui caractérisent l'enseignement de Manuele, nous tenterons de comprendre quels processus personnels d'étude et de développement culturel lui ont permis d'atteindre le cercle international des professionnels Yamaha, du secteur des synthétiseurs et des stations de travail.
Alfredo Capozzi : Comment devient-on démonstrateur Yamaha ?
Manuele MontesantiEn fait, quand j'étais enfant, parallèlement à mes études de piano, je suivais attentivement ce qui se passait aux États-Unis. À l'époque, je suivais… Chick Corea J'ai notamment remarqué que, quoi qu'il fasse, il bénéficiait d'un important soutien financier de grandes marques, en particulier Yamaha. Même lorsque j'ai commencé les tournées, certains de mes collègues me parlaient souvent de contrats de sponsoring, comme c'était le cas pour tous les autres artistes que je suivais.
AC : Alors, que s'est-il passé ?
En gros, vers l'âge de 19-20 ans, j'ai commencé à réaliser les premières démos pour Logiciel de gestion du tempsL'entreprise m'a fourni des instruments que j'ai étudiés chez moi, puis présentés aux premiers salons d'instruments de musique. J'ai toujours participé à ces salons, du plus célèbre au plus prestigieux. DISMA de PesaroImaginez à quel point j'étais enfantin jusqu'aux derniers salons nationaux, ainsi qu'aux salons locaux. Je recherchais constamment des collaborations avec des marques prestigieuses. C'est ainsi qu'au DISMA dans les années 2000, si je me souviens bien, je me suis retrouvé sur le stand Tascam, qui accueillait Midiware, en train de faire la démonstration de… GigaStudio et le GigaSampler qui avait été récemment rachetée par Tascam. Le stand Tascam étant proche de celui de Yamaha, lorsque j'ai commencé à jouer, les responsables de Yamaha sont venus me voir et nous avons échangé quelques mots : ce fut l'occasion d'établir un premier contact. Peu après, un appel à candidatures pour des démonstrateurs a été publié sur le site web de Yamaha. Je me suis présenté à l'audition et l'ai réussie haut la main, mais un problème s'est posé : tous les postes de démonstrateurs de synthétiseurs étaient déjà pourvus ; chaque région, en pratique, avait déjà son propre démonstrateur. Cependant, profitant du fait que Yamaha n'était présent que deux jours et de l'occasion pour examiner tous les instruments, j'ai eu le privilège de faire une nouvelle démonstration devant le président français de l'époque, qui se trouvait dans l'entreprise. À ma grande surprise, je me souviens que ce président a dit : « … » Il m’a proposé de devenir ambassadeur et démonstrateur officiel. Naturellement, il s’inquiétait de ma disponibilité pour voyager, mais comme j’étais régulièrement en tournée à l’époque, je lui ai fait remarquer que c’était tout à fait normal pour moi.
À partir de là, j'ai commencé à collaborer étroitement avec Yamaha, en commençant par la console de mixage. 01X et le poste de travail Motif ES, en tant qu'artiste démonstratrice, jusqu'à devenir ambassadrice européenne en 2015 avec la sortie de Montage et, par la suite, de manière continue, d'ambassadeur mondial, Yamaha souhaitant que je me produise au NAMM et à des salons internationaux comme MusikMesse. Je me suis rendu plusieurs fois au NAMM pour présenter les pianos des séries Montage et CP, dont je suis désormais également l'un des concepteurs sonores. Depuis 2017, dans la pratique, je suis devenu l'un des 8 concepteurs sonores internationaux de Yamaha Une société japonaise développe actuellement des bibliothèques et des maquettes de chansons. Nous reviendrons sur ce sujet plus tard.
AC: Parlons maintenant de vos débuts : où avez-vous reçu votre formation musicale et quelle méthode d’enseignement vous a permis de faire vos premiers pas ?
MM: En 1985, j'ai reçu le fameux piano mécanique en cadeau du Père Noël. BontempiJ'ai commencé à jouer et je n'ai pas pu m'arrêter, à tel point que tout le monde a été un peu choqué par cela, < En fait, je jouais de tout, je reproduisais à l'oreille tout ce que j'entendais. Je n'ai jamais vu un instrument entre les mains de personne dans ma famille : pas de musiciens, pas de musique ! Ma pratique consistait à écouter un morceau et à le reproduire directement sur l'instrument : j'avais environ six ans. Après quelques années, orienté vers un environnement un peu plus didactique, j'ai commencé à fréquenter… Conservatoire Santa Cecilia À Rome. D'abord en cours particuliers, puis en internat, mais je n'étais pas très douée, du point de vue de l'enseignement traditionnel : j'étais très bonne en harmonie, mais du point de vue de l'interprétation et de la technique classiques, qui étaient exigées de moi, j'ai tout de suite compris que ce n'était pas pour moi. Alors, sous l'ancien système, j'ai passé les examens de solfège, puis la cinquième année, jusqu'à l'examen d'harmonie. J'ai fait tout cela jusqu'à mes 14 ou 15 ans, même si j'avais toujours des synthétiseurs à portée de main, de plus en plus fascinée par tout cet univers de musique d'avant-garde : du jazz au blues, en passant par la fusion des années 80. Bref, j'ai finalement décidé, et heureusement, étant donné mon niveau vraiment faible en musique classique, de changer de voie. Je suis allée étudier à…UM (Ul'université de MJ'ai suivi une formation musicale (music.ed.) et j'y ai rencontré des professeurs et des camarades formidables, à tel point qu'aujourd'hui, chacun d'eux travaille comme professionnel. Bref, ce furent des années vraiment heureuses : je me souviens que ce furent précisément mes meilleures années musicales. Je n'avais que 15 ans et, à mon arrivée, je ne connaissais même pas un seul thème musical. La première année fut terrible car je n'y connaissais rien et je me suis retrouvé dans un environnement totalement nouveau pour moi. Sur le plan pédagogique, et notamment en ce qui concerne le langage musical, les thèmes musicaux étaient une véritable horreur pour moi, habitué à tout lire dans deux clés ; en un mot, c'était une autre planète. Malgré tout, j'ai terminé en trois ans les cinq années requises par le cursus de l'Université de Miami, et j'ai commencé à travailler à 18 ans avec mes premières tournées, mes premiers concerts et quelques émissions de télévision. Je tiens à préciser que les tournées étaient évidemment consacrées aux auteurs-compositeurs-interprètes italiens, les habituels, mais même là, j'ai compris que ce n'était pas mon état d'esprit, que ce n'était pas ma passion intrinsèque pour le domaine musical, alors en 2003, les choses ont un peu changé, avec le début de la collaboration avec Yamaha.
AC: Pendant ou après vos études classiques, y a-t-il eu une expérience particulière qui vous a amenée vers le genre pop et, de là, à poursuivre une carrière d'égérie ?
M.M.Il n'y a pas eu d'événement particulier ; je dois surtout dire que j'ai développé une conscience aiguë de mes limites et peut-être aussi de mes forces dans le domaine musical : c'est un peu comme aimer une femme, on ne peut pas trouver une femme qui partage nos valeurs, il faut trouver celle qui nous apporte le meilleur. C'est un peu la même chose avec la musique : on ne peut pas la prendre au sérieux et en faire une carrière si on ne se sent pas à l'aise. J'ai donc trouvé ma meilleure amie « musicale », la muse de ma vie, dans la scène jazz-fusion, d'autant plus que j'ai toujours cultivé une passion pour les synthétiseurs, en parallèle de ma pratique musicale. Si l'on considère que tous mes idoles utilisaient des synthétiseurs sur scène, pas un jour ne passait sans que je me renseigne sur les synthétiseurs, leurs sonorités, les producteurs, etc. En bref, les synthétiseurs ont influencé au moins 80 % de ma carrière musicale.
AC: Lors du TeknoDay 2019, vous avez eu l'occasion de rencontrer des élèves de lycées musicaux, notamment de Campanie. Quelle impression vous ont-ils faite ? Et quels changements avez-vous apportés à votre formation musicale par rapport à vos expériences précédentes ?
M.M.L'expérience a été formidable car il y avait beaucoup d'enfants très enthousiastes. cela paraît bien Comme celle que j'avais à l'époque, cela m'a vraiment rassuré. Ensuite, j'ai gardé le contact avec certains d'entre eux sur Facebook, nous sommes devenus amis, et ce qui m'a aussi impressionné, surtout chez les élèves de Campanie, c'est leur niveau moyen très élevé ; ils jouent de façon incroyable, ils sont vraiment doués. J'en ai rencontré qui étaient techniquement très bons. Je pense que le mérite en revient surtout à leurs professeurs. Quant aux autres, je le répète, j'ai entendu de jeunes pianistes vraiment excellents. À « TeknoDay », c'était précisément l'impression principale. Concernant les changements dans l'enseignement, il y a des aspects positifs et pas mal d'aspects négatifs. Du côté positif, disons que beaucoup d'activités qui composent mon travail n'étaient pas considérées comme faisant partie intégrante de celui-ci auparavant, voire même pas du tout.
Le rôle de concepteur sonore ou d'expert en sonorisation n'existait tout simplement pas. Personne ne savait de quoi il s'agissait, mais aujourd'hui, le fait que les aspects technologiques et musicaux soient davantage pris en compte constitue déjà un progrès. Autre point positif : la multiplication des activités et l'ouverture des conservatoires à d'autres références. Je fais référence à l'ouverture à d'autres langages musicaux non académiques qui contribuent à éveiller la curiosité des jeunes. L'aspect légèrement plus négatif de cette évolution, que je ne partage pas entièrement, est la superficialité et le manque d'étude. Par exemple, j'étudiais douze heures par jour ; ma vie sociale était quasiment inexistante. Je ne dis pas que nous atteignons des sommets de folie, mais les jeunes que je côtoie étudient très peu et abordent beaucoup de choses superficiellement. Je m'explique : tout le monde veut jouer parce qu'il y a cette idée de voyager à travers le monde, de se produire sur scène, de devenir une star. cool. Contrairement à d'autres pays, je constate qu'ici en Italie, la culture des études est peu développée, et sans elle, sans effort, les chances de réussite sont minces. Quand on travaille, on ne peut compter ni sur un ami ni sur les circonstances ; il faut vraiment se débrouiller, et pour faire ses preuves, il faut maîtriser la musique. Évidemment, plus on étudie, plus on se prépare, plus son niveau sera élevé. Pour devenir musicien professionnel, il faut étudier et faire des sacrifices. C'est aussi un défi personnel que de chercher à évoluer et à progresser grâce aux études.
AC: Aujourd'hui, vos démos et vidéos révèlent un intérêt pour la fusion : selon vous, dans quelle mesure ce genre musical a-t-il évolué ? Quelle a été la contribution des technologies musicales à ce domaine ?
M.M.Disons qu'aujourd'hui, ce n'est plus seulement la fusion qui domine ce secteur, qui s'est indéniablement développé. Dans les années 80, c'était un peu différent ; aujourd'hui, parler de jazz, de fusion ou de gospel relève d'une conception globale de la musique. Ce sont des genres regroupés. Avant, c'était très spécifique ; aujourd'hui, l'ambiance et le jazz englobent tout, à mon avis. Quant à la technologie sous-jacente, je peux vous dire qu'en plus d'offrir des innovations dans le domaine sonore, son principal atout a permis à chacun (même au musicien perdu dans la forêt amazonienne) de se faire connaître par ses propres moyens. Aujourd'hui, tout le monde a accès à des outils comme les réseaux sociaux. sur Facebook, YouTubePar exemple, Chick Corea doit sa notoriété à Internet. Il en va de même pour Snarky Puppy : aujourd’hui musiciens, ils parcourent le monde avec leur propre musique, et ils doivent tout cela aux ressources qu’Internet met à la disposition de tous. On peut donc dire que c’est cet aspect technologique qui, à mon avis, a engendré une transformation radicale dans ce secteur.
AC.: Y a-t-il des musiciens qui vous ont particulièrement inspiré dans ce genre musical ?
MMBien sûr. Comme je le disais, j'ai découvert les synthétiseurs avec Chick Corea et Herbie Hancock, génies de la fusion, ou « jazz électrique » – appelons ça comme ça – et c'est dans ce contexte précis que j'ai vu et entendu Chick Corea pour la première fois. Ce sont eux qui m'ont ouvert cette voie. Au fil du temps, j'ai cherché à concilier mes expériences professionnelles et personnelles avec d'autres musiciens. J'ai tenté de trouver mon propre chemin, mais j'ai toujours continué à étudier, sans jamais m'arrêter : je crois que la pire erreur qu'un musicien puisse commettre est d'interrompre ses études. Pour en revenir à la musique, je suis passionné par Bach et je n'ai jamais trouvé de groove aussi funky que dans « Le Clavier bien tempéré », si ce n'est qu'il l'a composé il y a environ 300 ans ! De plus, étant un mordu d'harmonie, imaginez ma réaction quand j'ai commencé à étudier le contrepoint et les formes d'harmonisation des canons inversés. J'étais déjà complètement obsédé à l'époque, mais on se rend compte qu'en jazz, tout finit par revenir : tout est reproduit, réinterprété. Beaucoup de choses réalisées dans le domaine moderne sont possibles grâce aux musiciens qui les ont précédées. Sans Bach, à mon avis, rien n'aurait été possible ; je l'appelle toujours l'étranger. Je ne sais pas combien de personnes au monde sont capables d'un tel exploit. Disons donc que Bach est ma référence, tout comme Debussy. J'ai appris les modes, j'ai intégré l'ouverture modale ainsi que les altérations. se battre Utilisé par Corea lui-même, et par les musiciens de jazz qui lui ont succédé. Debussy fut un autre de mes maîtres. Puis, vers l'âge de 18 ans, j'ai découvert Miles Davis, et j'ai été complètement bouleversé, au point de devenir un véritable passionné. À la même époque, j'ai rencontré Zappa, et c'est à partir de là que j'ai commencé à appeler ces musiciens par leur vrai nom – « maîtres » – car ils composaient des choses incroyables. Bref, sans plus tarder, je vais vous parler de Bach, Debussy, Frank Zappa et Miles Davis ; ce sont mes références.
AC: Conseilleriez-vous aux jeunes d'aujourd'hui d'écouter davantage de musique du passé ? Quels genres et pourquoi ?
M.M.Je recommande à tous d'écouter de la musique classique pour deux raisons. Premièrement, parce qu'on réalise que tout cela est dû à ceux qui en ont posé les fondements. Comme je l'ai dit précédemment, sans Bach, nous n'aurions rien accompli, et il en va de même pour Mozart et bien d'autres. Deuxièmement, il est important d'écouter de la musique dès le plus jeune âge, même dès la naissance, et particulièrement pour les parents, car sur le plan psychologique, sur le plan de la vie, sur le plan du développement personnel, la musique est fondamentale et contribue à notre épanouissement. C'est une conviction que je partage avec tous ceux qui pratiquent la musicothérapie. Nous n'y pouvons pas grand-chose ; si nous écoutions tous davantage de musique, nous vivrions dans un monde meilleur, peuplé de gens meilleurs. Vive la musique !
AC : Parlons de votre activité d’enseignant et de formateur : avec vos chaînes d’enseignement, vous avez anticipé de quelques années ce que le MIUR (Mministère duIl'éducation, deUL'université et la recherche) est devenue DaD cette année (Denseignement a DExemple) : comment avez-vous géré et comment gérez-vous les technologies à cette fin ?
M.M.En 2008, j'ai fondé le site www.lezionipianoforte.net J'avais vingt-huit ans et le portail existait déjà depuis douze ans. Je crois avoir été parmi les premiers en Italie à entreprendre une telle initiative. Parallèlement, j'ai toujours défendu l'enseignement en ligne et, malgré les critiques, je reste convaincu qu'il représente l'avenir. J'ai appris il y a quelques jours que plus de la moitié des revenus de l'université Berkeley à Boston (et non une université de province comme les autres) proviennent de l'enseignement en ligne. Si cette université de renommée mondiale s'y emploie, nous devrions sérieusement envisager d'investir dans ce domaine.
AC : Quels modèles pédagogiques proposez-vous dans vos cours ?
M.M.En résumé, le portail Lezionidipianoforte.net propose trois cours, chacun avec son propre programme pédagogique. Le premier cours est « … »piano jazz moderne" où sont étudiées toutes les questions relatives à l'aspect du piano moderne, telles que la technique, la lecture, l'harmonie appliquée, l'improvisation et surtout l'accompagnement au piano. Quant au deuxième plat, il s'agit du «Claviers MIDI et multi-styles« Il s'agit davantage de l'aspect technologique du jeu au clavier. Ce cours aborde certains aspects musicaux du piano jazz moderne, mais se concentre surtout sur les aspects techniques qu'un claviériste devrait, selon moi, maîtriser : présence scénique, matériel à utiliser, exigences techniques, sonorités, gestion du timbre. Un autre aspect fondamental concerne le comportement en studio et les outils principalement utilisés pour atteindre un objectif qui reflète fidèlement le contexte musical et les producteurs actuels en matière d'enregistrement à domicile. Bien entendu, le cours couvre tous les sujets liés à… » Conception sonore, MIDI, etc. appliqués aux instruments logiciels et matériels, y compris les stations de travail audio numériques (DAW) bien sûr. Le dernier cours dédié exclusivement à tous les utilisateurs Yamaha s'appelle «Cours en ligne de synthétiseurs Yamaha« Dans lequel tous les besoins des utilisateurs finaux sont pris en compte, des cours personnalisés sont proposés en fonction des compétences. Par exemple, un utilisateur pourrait commencer par la question de base : « Comment allumer le synthétiseur ? » et ensuite explorer toutes les fonctionnalités techniques et d’utilisation de cet appareil. De ce point de vue, il s’agit donc d’un cours hautement personnalisé, produit en collaboration avec la branche italienne de Yamaha Musique Europe et il est spécifiquement destiné à tous les utilisateurs qui utilisent les pianos de scène de la série CP 88/73, le nouvel orgue combo YC61 et bien sûr Motif, moXF, le glorieux Montage et MODX.
AC: Quelles compétences et quelle expérience préalable les étudiants souhaitant suivre votre formation doivent-ils posséder ?
M.M.Cela dépend beaucoup du type de cours, en ce qui concerne le cours lui-même.piano jazz moderneJe préférerais que les étudiants possèdent de solides bases techniques, théoriques et pianistiques afin d'accélérer leur apprentissage et de leur permettre de suivre la progression pédagogique du cours. Pour les deux autres cours, une compréhension de base des systèmes informatiques, de la gestion des canaux audio et MIDI serait suffisante. Une connaissance approfondie du protocole MIDI serait également préférable. Cependant, d'après mon expérience, j'ai souvent commencé des cours avec des étudiants qui n'avaient pratiquement aucune connaissance préalable, et ils réussissent maintenant très bien. Il s'agit donc d'une préférence plutôt que d'une condition d'admission.
AC: AgeOfAudio est un portail axé principalement sur les technologies audio : selon vous, quels ont été les aspects qui ont conduit aux changements significatifs dans l’offre actuelle d’instruments logiciels et matériels depuis que vous avez commencé vos démonstrations ?
M.M.Soyons clairs : les générateurs de sons restent les mêmes ; rien de révolutionnaire, et tous adoptent les concepts novateurs des années 70, 80 et 90. Ce qui a quelque peu changé la donne, c’est la puissance de calcul des processeurs et des systèmes informatiques. Aujourd’hui, grâce à cette puissance de calcul colossale, on peut réaliser des choses dignes de la science-fiction et gérer des algorithmes autrefois irréalisables. On maîtrise désormais ces algorithmes de synthèse sonore sans problème, et surtout, les coûts sont bien plus compétitifs. Par exemple, autrefois, l’enregistrement à domicile nécessitait un investissement conséquent compte tenu du rapport qualité-prix ; l’écart était important avec les prix actuels. Aujourd’hui, avec un équipement abordable et bien utilisé, on peut obtenir des résultats incroyables. La technologie, en particulier, a fait des progrès très encourageants et impressionnants, même en matière de communication. Par exemple, aujourd'hui, même si vous vivez au Burundi et qu'une connexion internet vous permet de vous faire connaître et de partager votre musique ou vos vidéos, vous pouvez tout faire vous-même, sans passer par un producteur ou un label renommé. C'est essentiel. En effet, les musiciens devraient consacrer beaucoup de temps, au-delà de l'apprentissage de leur instrument et de leur formation générale, à se familiariser avec le web, le concept de partage et les logiciels libres, car à mon avis, cela peut sauver des vies.
ACComment percevez-vous le paysage actuel de l'enregistrement à domicile et comment le mesurez-vous ?
MMJ'avais pratiquement anticipé la réponse à certaines des questions posées précédemment, mais je pense que le grand avantage de l'enregistrement à domicile est qu'il est facile à maîtriser pour tous les musiciens et qu'il représente 90 % de l'équipement du musicien moderne.
AC: Dans quelle mesure le son Yamaha influence-t-il votre composition ? Disposez-vous de votre propre matériel de production ?
M.M.En fait, oui, j'ai beaucoup de chance car, même avant de devenir artiste, concepteur sonore ou démonstrateur de synthétiseurs Yamaha, j'avais toujours un son très précis en tête. J'ai touché un son de mes mains pour la première fois. DX7 En 1991, j'avais 11 ans, et l'instrument qui a façonné mon développement (et pour lequel j'ai littéralement souffert pour pouvoir me l'offrir) était le SY99. Je crois que le SY99 était le synthétiseur numérique par excellence, le plus beau que j'aie jamais touché pour son époque, tant par sa sonorité que par ses possibilités. Quant à mon matériel de production, disons que j'en utilise beaucoup. J'ai aussi la chance d'être soutenu par de nombreux éditeurs de logiciels, et j'utilise beaucoup de leurs synthétiseurs logiciels, même à des fins pédagogiques. J'utilise donc fréquemment mes instruments matériels et logiciels simultanément et en parallèle. Disons, à parts égales.
AC: Quelle part de préproduction et de production en studio votre mode de fonctionnement inclut-il ?
M.M.Tout dépend de la façon dont les idées me viennent. J'aborde les choses principalement de manière musicale : je m'installe au piano et je cherche des idées harmoniques, des thèmes et des harmonies. Ensuite, je développe tout dans mon logiciel de MAO. Si j'ai l'occasion de faire appel à des amis, notamment pour les projets DriftLab, je fais appel à de vrais instrumentistes, mais dans un second temps. C'est une approche très pianistique, en quelque sorte, très « simple ».
AC: Outre votre matériel Yamaha, que vous préférez sans aucun doute, existe-t-il des instruments sur le marché actuel que vous recommanderiez pour leur rapport qualité/productivité ou qui vous intriguent particulièrement ?
M.M.Comme je vous le disais, j'ai beaucoup de chance car je suis pratiquement un ambassadeur de tous les outils matériels et logiciels que j'utilise pour le travail et que j'apprécie vraiment. J'ai un StudioLogic Traîneau deux, J'ai les outils NAGE, de Modélisation audio, j'ai les outils pour IK MultimediaHonnêtement, ce que je recommande et ce que j'utilise réellement (et je ne suis évidemment pas sponsorisé par une marque), ce sont les produits SpectrasonicsJe pense qu'Omnisphere est l'un des meilleurs instruments virtuels pour claviéristes, en particulier pour ceux qui aiment les synthétiseurs, la programmation, etc.
AC: Avant de nous quitter et de vous remercier encore une fois pour votre temps, une dernière question classique : quels sont vos projets d’avenir ?
M.M.Côté travail, je suis sur le point de terminer la section « Boutique », le fameux panier d'achat de mon portail web. En plus de la production Bibliothèque et œuvres de Conception sonore Pour Yamaha et bien d'autres, j'aimerais évidemment vendre mes bibliothèques dans différents formats. Et puis, j'aimerais… Je continue à produire mes propres chansons, même si j'ai toujours très peu de temps libre. Ce sont des chansons que j'utilise ensuite dans des démos, des ateliers, et avec lesquelles j'aimerais, en fait, finaliser et lancer ma propre maison de disques, en reprenant tout ce qui a été fait au fil du temps et en faisant un véritable album. Et puis, j'aimerais… J'ai quelques idées pour améliorer, développer et étendre le portail. Je suis assez perfectionniste, donc j'aimerais apporter lezionidipianoforte.net Je vise une efficacité maximale en matière de programmes d'enseignement, de communication, de diffusion en direct, etc. Ce sont en partie mes projets futurs. J'ai aussi plusieurs autres idées de travail, mais je ne peux pas encore en parler car j'ai beaucoup de choses en cours. Heureusement, je reste très inspiré et créatif en général, que ce soit dans l'enseignement, en tant que concepteur sonore ou musicien. Voilà, merci pour ce formidable entretien et cette discussion.
Alfredo Capozzi
