Künstliche Intelligenz erzeugt Musik. Aber zu welchem ​​Zweck?

Mächtige Werkzeuge, zerbrechliche Illusionen und eine beunruhigende Perspektive auf die Zukunft des Urheberrechts, die scheinbar niemand bemerkt.

Generative KI-Tools für Musik

Suno, Teilen, WonderaBegriffe, die bis vor Kurzem ausschließlich Technikbegeisterten vorbehalten waren, sind heute zum alltäglichen Sprachgebrauch all jener geworden, die sich auch nur im Entferntesten für Musik interessieren. Generative künstliche Intelligenz in der Musik ist eine konkrete, zugängliche und oft überraschende Realität. Doch um diese Werkzeuge herum entstehen Erwartungen, Spannungen und Paradoxien, die es wert sind, sorgfältig und unvoreingenommen untersucht zu werden, ohne die zukünftigen, wenn auch unangenehmen, Konsequenzen auszublenden.

Stimmungen und Erwartungen

Ich bin zufällig in einigen Online-Communities gelandet, die sich mit diesen Tools beschäftigen, und habe die Gelegenheit genutzt, die Stimmung unter den Nutzern und Kritikern dieser neuen Tools zu erfassen. Nach ein paar Wochen in den Foren konnte ich einige interessante Beobachtungen machen: Beim Lesen der Beiträge und Hören der von den Nutzern veröffentlichten Lieder lassen sich mindestens drei sehr unterschiedliche Nutzerprofile erkennen.

Es gibt Menschen, die die Plattform rein zum Vergnügen nutzen, ohne jegliche Ansprüche, als ein neues und faszinierendes Spiel für ihre Freizeit, und dies ist vielleicht die gesündeste und ehrlichste Art der Nutzung, die man daraus machen kann.

Es gibt Künstler, die mit sorgfältig ausgearbeiteten Texten und raffinierten Klangentscheidungen einen glaubwürdigen künstlerischen Weg zu beschreiten scheinen, für den sie bereits vor dem Erscheinen des … die Grundlagen gelegt haben. IA und nutzt das Werkzeug daher als Brücke zwischen Idee und Umsetzung, wodurch die teuren und langwierigen Produktionsprozesse umgangen werden.

Und dann gibt es noch jede Menge schlampige Produktionen, Texte direkt aus Aufsätzen der Grundschule, kopierte und wieder kopierte Genres, einzelne Nutzer, die Dutzende von Liedern pro Tag veröffentlichen; viele machen sich nicht einmal die Mühe, die Aufgabenstellung selbst zu schreiben, sondern lassen sie lieber von anderen Plattformen wie Chats erstellen. gpt, Claude o Gemini.
Kurz gesagt, ein Mangel an Fantasie und viel Anmaßung, die sich vor allem in einer immer wiederkehrenden Frage äußert, die – entgegen der Erwartung – nicht lautet: „Wie kann ich diesen Song verbessern?“, sondern vielmehr: „Wie kann ich meine Hörerschaft vergrößern?“, „Wie kann ich ihn monetarisieren?“, „Welche Plattform eignet sich am besten für den Vertrieb?“

Das ist das Paradoxon der Musik-Spielautomaten: Ein Werkzeug, das kreative Barrieren überwinden soll, wird hauptsächlich als Abkürzung zu Erfolg und mühelosem Verdienst genutzt. Schade, dass diese Plattformen, zumindest aktuell, kaum Kontrolle über das Endergebnis bieten. Ist der Song erst einmal generiert, ist das Korrigieren von Fehlern und die Überarbeitung der Komposition ein langwieriger, frustrierender und oft fruchtloser Prozess. Gelingt es, ist es reiner Glücksfall; andernfalls drückt man einfach wieder auf „Generieren“ und versucht es erneut – genau wie bei einem Spielautomaten. Und wie bei jedem Spielautomaten ist die Illusion eines leichten Gewinns der eigentliche Verkaufsargument.
Das Problem ist nicht das Instrument. Es ist vielmehr das Vergessen, dass Erfolg in der Musikgeschichte stets die Summe aus Talent, Können, jahrelanger Arbeit und einer gehörigen Portion Glück war – selbst wenn großartige Songwriter, Produzenten und große Plattenfirmen dahinterstanden. All das auf eine Textaufgabe zu reduzieren, ist, gelinde gesagt, naiv.

Zu diesem interessanten Bild tragen auch die Reaktionen vieler „traditioneller“ Musiker bei, die in diesen Diskussionsforen die Grenzen KI-generierter Musik aufzeigen wollen. Die Antworten, die sie erhalten, ähneln sich fast alle: „Fühlt ihr euch bedroht, jetzt, wo jeder Musik machen kann?“, „Eure Zeit ist vorbei“, „Ihr seid nicht mehr die Einzigen, die Musik machen können.“ Diese Racheerzählung verrät etwas Ungelöstes: Es ist keine Begeisterung für ein neues kreatives Instrument, sondern vielmehr eine frühere Frustration über eine Musikwelt, die als elitär und unerreichbar wahrgenommen wird, als wäre Musikersein ein angeborenes Privileg. Doch Musiker zu sein ist kein Privileg einiger weniger Glücklicher; es erfordert Studium, Opferbereitschaft, Übung, jahrelanges Lernen aus Fehlern und Momente der Entmutigung und des Wunsches aufzugeben – genau wie jeder andere Beruf, der Ausbildung und Engagement verlangt. Kurz gesagt: Es ist gewiss nicht einfach, aber es ist für jeden erreichbar.

Rechtsstreitigkeiten und die Nachhaltigkeit der Weiterverbreitung

In der Zwischenzeit musste sich der Sektor bereits mit der rechtlichen Realität auseinandersetzen. Juni 2024Sony Music, Universal Music Group und Warner Music Group haben sowohl Suno als auch Udio verklagt und ihnen massive Urheberrechtsverletzungen vorgeworfen, da sie ihre Modelle ohne Genehmigung mit urheberrechtlich geschützten Aufnahmen trainiert hätten.
Die Rechtsstreitigkeiten wurden später durch Vergleiche beigelegt: Die Universal Music Group erzielte im Oktober 2025 eine Einigung mit Udio, gefolgt von der Warner Music Group, die im November 2025 gleichzeitig ebenfalls einen Vergleich mit Suno unterzeichnete.

Die Vereinbarungen mit Suno sehen vor, dass Downloads zahlenden Nutzern weiterhin zur Verfügung stehen, allerdings mit einem monatlichen Limit. Zudem werden neue Funktionen eingeführt, die es Nutzern ermöglichen, Inhalte mit den Stimmen, Kompositionen und Bildern von Warner-Künstlern zu erstellen, die sich zur Teilnahme bereit erklären. Kurz gesagt: Die großen Plattenfirmen haben ihren Streit beigelegt und sich an den Verhandlungstisch gesetzt. Das ist allerdings keine gute Nachricht für alle, die auf eine Eindämmung der Verbreitung gehofft hatten.
Während all dies diskutiert wird, baut sich das eigentliche Problem still und leise an anderer Stelle auf. Laut Daten, die von [Name der Quelle] zitiert werden, … Wikipedia Im Albumzeitalter wurden weltweit jährlich etwa 35.000 Alben veröffentlicht – eine Zahl, die von der Musikindustrie gefiltert und ausgewählt wurde. Im Jahr 2016, mit dem Aufkommen digitaler Musik, lag diese Zahl bereits bei rund 158 neuen Songs pro Tag. Heute, so die Aussagen der CEOs einiger großer Musiklabels, Reklametafelwerden ungefähr 100.000 Lieder pro Tag auf allen Streaming-Plattformen. Deezer Er schätzte, dass er im Jahr 2025 ungefähr 50.000 KI-generierte Lieder jeden Tag, was 34 % aller Uploads ausmacht.

Die Folgen sind bereits sichtbar und messbar. Laut Luminate 2024-BerichtVon den 202 Millionen Songs auf Streaming-Plattformen erreichen 175,5 Millionen nicht die von Spotify geforderte Mindestanzahl von 1.000 Streams pro Jahr, um Tantiemen zu generieren: 86,88 % aller Musiktitel auf der Plattform bringen keinen Cent ein. Millionen von Dateien belegen Server, verbrauchen Bandbreite und erfordern Verwaltung – kostenlos für die Uploader, aber mit realen Kosten für die Plattformen und indirekt für das gesamte Musikökosystem.

Zweifel am Urheberrecht

Doch es gibt einen noch subtileren Aspekt, über den bisher fast niemand nachgedacht hat: das Problem der Sättigung des musikalischen kreativen Raums.
Die möglichen Kombinationen von Noten, Rhythmen und Harmonien sind mathematisch endlich und nicht unendlich, wie man vielleicht annehmen könnte. Dies wurde bereits 2020 von dem Programmierer und Urheberrechtsanwalt konkret nachgewiesen. Damian Riehl Mit einer simplen, aber bahnbrechenden Überlegung: „Wenn Melodien im Wesentlichen mathematische Kombinationen sind und diese Kombinationen endlich sind, wird früher oder später jemand sie alle komponiert haben.“ Zusammen mit dem Musiker und Programmierer Noah Rubin entwickelte er aus diesem Gedanken ein praktisches Werkzeug: einen Algorithmus, der Melodien generieren kann. 300.000 Melodien pro Sekunde zur Katalogisierung und Freigabe in die Gemeinfreiheit.

Seine Logik war defensiv: Im Urheberrechtssystem wird derjenige, der eine Melodie zuerst einreicht, deren Eigentümer, und jeder, der sie später verwendet, riskiert eine Urheberrechtsklage. Indem Riehl vorausschauend handelte und den gesamten möglichen melodischen Raum für alle zugänglich machte, wollte er diese Bedrohung präventiv neutralisieren und dieses Terrain von jedem zurückerobern, der es als juristische Waffe einsetzen könnte.

Stellen wir uns nun vor, dieses Szenario würde ins Zeitalter der generativen KI übertragen. Millionen von Nutzern drücken täglich einen Knopf und erhalten innerhalb von Sekunden komplette Songs – Melodie, Harmonie, Text und Arrangement. Die meisten dieser Songs werden auf Plattformen hochgeladen, und einige werden sogar urheberrechtlich geschützt. Nicht etwa, weil sie einen wirklichen künstlerischen Wert besitzen, sondern weil der Prozess automatisch oder nahezu automatisch abläuft und kaum oder gar nichts kostet.
Das sich hier stillschweigend entfaltende Paradoxon lautet: Einem Komponisten, der morgen eine originelle Melodie schreibt – das Ergebnis seiner eigenen Kreativität und seines künstlerischen Schaffens –, könnte das Recht auf Registrierung dieses Stücks verweigert werden, weil diese Notenfolge bereits aufgenommen wurde. Von wem aufgenommen? Von einem Suno-Nutzer, der sechs Monate zuvor Tausende von Liedern automatisch generieren ließ, die er nie angehört hat und an deren Existenz er sich wahrscheinlich nicht einmal mehr erinnert.
Die Beweislast in einem solchen Streitfall läge allein beim menschlichen Komponisten: Er müsste nachweisen, dass sein Werk eigenständig, originell und nicht abgeleitet ist. Ein kafkaesker Rechtsstreit gegen ein maschinell erzeugtes Stück, angestrengt von jemandem, der nicht einmal weiß, dass er es geschaffen hat.
Kurz gesagt, die Gefahr durch KI besteht nicht nur darin, Plattformen mit minderwertiger Musik zu überschwemmen, sondern auch darin, die Zukunft der menschlichen Kreativität zu kolonisieren und einen Raum präventiv zu besetzen, den noch niemand erforscht hat.

Selbstbezogene Unterhaltung

Es gibt noch ein letztes Szenario, vielleicht das radikalste, das zumindest einer kurzen Erläuterung wert ist. Generative KI im Musikbereich wird nicht bei der Verbreitung künstlerisch wertloser Produktionen enden. Sobald der anfängliche Profitrausch nachlässt, könnte sie sich zu einem selbstreferenziellen Mechanismus entwickeln, in dem jeder seine eigene Musik kreiert und somit die Notwendigkeit eines Künstlers als Vermittler zwischen Emotion und deren klanglicher Umsetzung völlig beseitigt. 

Die Folgen wären weitreichender als jede Urheberrechtsfrage: Musik hat seit jeher als Brücke zwischen ihren Schöpfern und ihren Hörern, zwischen verschiedenen Kulturen und Generationen gedient. Zu den prägendsten Erlebnissen im Leben eines Hörers gehört es, von etwas Unerwartetem überrascht zu werden, von einem bisher unerforschten Genre, einem Künstler, der weit außerhalb des gewohnten Geschmacks liegt, und sich darin wiederzuerkennen; es ist die Erkenntnis, dass jemand am anderen Ende der Welt dasselbe erlebt und es besser beschrieben hat, als man es selbst könnte. 

Ein System, das dich zu gut kennt, kann dir das nicht bieten. Es gibt dir nur das zurück, was du bereits bist: jeder gefangen in seiner eigenen perfekten Klangblase, ohne den Nervenkitzel und das Risiko der Entdeckung. 

Die Musikunterhaltungsbranche, wie wir sie kennen, würde zerstört werden. Der größte Schaden wäre jedoch anthropologischer Natur.

Schlussfolgerungen

Es geht nicht darum, KI in der Musik abzulehnen. Es geht vielmehr darum, uns zu fragen, was wir mit diesen Werkzeugen wirklich anfangen wollen. Wollen wir auch denen die Möglichkeit geben, einen Song zu produzieren, die interessante Ideen und ein dringendes Ausdrucksbedürfnis haben, aber keine Erfahrung mit Musikinstrumenten und/oder Produktionssoftware besitzen? Wollen wir uns einer despotischen Zukunft ergeben, die Musikauswahl Algorithmen überlassen, uns in unserer eigenen Klangblase einschließen und für immer auf die Freude am Entdecken verzichten? Oder wollen wir, wie es bereits vor unseren Augen zu geschehen scheint, versuchen, am Spielautomaten zu gewinnen und damit ein Paradigma weiter vereinfachen, das in der traditionellen Musikproduktion bereits etabliert ist: identische Songs werden nach den sogenannten „Erfolgs“-Kriterien am Fließband produziert? 

Ein Konzept, das Madame in dem Lied „Mai più“ aus dem kürzlich erschienenen Album perfekt zusammenfasst:

„Die Fließband-Songs, The Horror Factory, in der Hoffnung auf einen Hit.“

HINWEIS

Dieser Ansatz verdient eine gesonderte Diskussion. MosesMoises unterscheidet sich grundlegend von Suno und Udio. Anstatt komplette Songs anhand einer Texteingabe zu generieren, konzentriert sich Moises auf das Erstellen und Bearbeiten einzelner Spuren – Basslinie, Schlagzeug, Gitarre –, um diese in ein bestehendes Musikprojekt zu integrieren. Es ist ein Tool für alle, die bereits ein Instrument spielen können: Musiker, die ihren Workflow beschleunigen, noch nicht gemeisterte Elemente hinzufügen oder mit neuen Klangrichtungen experimentieren möchten, ohne ihren kreativen Prozess zu verfälschen. Ein Ansatz, der eher auf Zusammenarbeit als auf Ersatz setzt und wohl auch dem Wesen der Musik besser entspricht. 

Pasquale Tarricone