Symphonic Orchestra Platinum PRO

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Recensire una libreria “top class” è sempre un compito arduo. Non sono molti i prodotti sul mercato in grado di potersi fregiare del titolo di “signori”  della simulazione d’orchestra. Oltre a East West Quantum Leap Symphonic Orchestra Platinum Xp Pro, oggetto della nostra recensione, il mercato propone, sia in termini di  resa sonora che di prezzo,  la più che conosciuta Vienna Symphonic Library di Herb Tucmandi e la meno nota (alla realtà italiana ovviamente), ma non meno apprezzata, Sonic Implants Symphonic Orchestra. La Platinum Xp pro offre qualche  motivo di ulteriore interesse  grazie alla sua peculiare struttura “multi ripresa”, che consente di abbinare e dosare suoni diversi a  differenti  posizioni microfoniche  della Hall.  Ma andiamo per ordine.

Una lunga attesa:

Quella che ai più può apparire una semplice espansione di un prodotto esistente,(Fig.1- Pacchetto aggiornamento)    porta con sè, una gestazione tutt’altro che semplice. La prima release della Symphonic Orchestra  rivoluzionò il mercato per il concetto di “embedding” della risonanza della hall, vale a dire  l’innovativa soluzione di incorporare la rifrazione sonora di una sala da concerto nella libreria stessa, il musicista quindi era sollevato dall’arduo compito di applicare ambiente ai campioni.  Si trattò di un ingente investimento  per Nick Phoenix e Doug Rogers, all’epoca fondatori e CEO  di Quantum Leap ed East West, due  talentuose “companies” di produzione sonora  giovani ma già ben affermate. Data l’impresa titanica, alcune articolazioni restarono inevitabilmente fuori dalle registrazioni, sia per  ragioni di tempo  che per motivazioni di carattere  economico (provate ad immaginare quanto costi registrare in una grande hall da concerto con il supporto di ingegneri di chiara fama). A libreria realizzata ed in vendita, Nick e Doug ebbero modo poi di raccogliere, dai numerosi appassionati ed utilizzatori della libreria, un vasto campionario di richieste e  suggerimenti nonché la lista  dei potenziali miglioramenti apportabili.  Una delle ragioni principali per cui si è provveduto ad effettuare  nuove registrazioni è stata probabilmente la necessità di migliorare la sezione legni, forse la più trascurata  in prima battuta. 2Di qui poi l’annuncio della nuova release e l’avvio di un interminabile  dialogo con i consumatori. L’espansione sarebbe stata rilasciata  nel novembre 2004, ma impegni imminenti, e un pizzico  di sorte avversa, fecero slittare lungamente i tempi di distribuzione, con inevitabile inferocimento di coloro che avevano già pagato per accaparrarsi una copia del prodotto annunciato. C’è da dire però che  la  coppia Phoenix-Rogers era già impegnata nella realizzazione , di un altro classico, la  East West Quantum Leap Symphonic Choirs. Poco prima dell’estate 2005 il colpo di scena: fu annunciato alla  schiera di consumatori arrabbiati in attesa, che gli hard disk contenenti i campioni della nuova espansione erano stati persi e che in qualche modo il lavoro sarebbe ricominciato quasi da zero. Finalmente nell’autunno 2005 la libreria fu realizzata e spedita, non senza un’ultima chicca: l’errata collocazione dei DVD nelle scatole!!!. Parlare di un prodotto così importante, sia dal punto di vista della lavorazione che del budget, e che ha attraversato un periodo così particolare, prima di uscire dal suo nido, mette una certa soggezione; Per esprimere un giudizio esaustivo è necessario conoscere bene  cosa  la concorrenza offre, e  come “suonano” i rispettivi prodotti . Per questo motivo, la recensione è stata realizzata a 4 mani e 4 orecchie. Mi sono fatto aiutare da un compositore di musiche per film e multimedia, Luca Thomas d’Agiout (Fig.2 – Luca Thomas d’Agiout) che oltre a lavorare già da anni con strumenti “virtuali”, svolge  un ruolo di “demoer” per case di produzione di campioni orchestrali. La sua collaborazione mi ha aiutato a maturare un giudizio quanto più sereno e imparziale possibile. Non solo ho potuto effettuare confronti, ma mi sono reso conto di tutte  le reali  problematiche a cui si va incontro  quando si prepara un lavoro per conto terzi.

Installazione:

Installare i players Native Instruments è oggi un gioco da ragazzi. La lunga esperienza accumulata, grazie alla realizzazione di molte decine di librerie, ha consentito alla Native Instruments di ottenere un risultato davvero considerevole sia per semplicità d’uso che per velocità di installazione. Anche la registrazione “on line” non rappresenta  un problema quasi più per nessuno. Nel mio caso, dovendo effettuare diverse installazioni per 3 differenti Computer (PC Musicdaw2 da recensire, PC personale e  PC portatile) ho dovuto “digerire” tutto l’iter delle autorizzazioni, fino a rendersi necessaria, per una riduzione drastica dei tempi, la somma intercessione del distributore. Quanto ho rimpianto l’”odiata” chiavetta!!! Diversa è la storia per quanto riguarda la copia dei files dei campioni sul proprio hard disk, un’operazione dai tempi biblici sopratutto se si dispone di lettori dvd scadenti. Infatti la libreria completa (campioni della originale Platinum + espansione) occupa ben 138 Giga (si, avete letto bene) , quindi l’operazione di copia necessita di una certa pazienza, anche se c’e’ da dire che  questa sarà ben ripagata. Molto importante segnalare che la Xp Pro è una  “espansione” e come tale  necessita della libreria originale per funzionare, non sono poche le patch che abbinano  suoni vecchi a quelli nuovi. Quanto descritto ci fa capire che è una libreria adatta  per PC o MAC molto performanti, non è pensabile  installarla su un portatile, anche se  espanso e di ultimissima generazione.

Requisiti di sistema:

I requisiti dichiarati sono: per Windows XP, un Pentium IV/Athlon 3 GHz, 1 GB RAM, DVD drive ed almeno 150 Gbytes di spazio libero su Hard disk. Per il Mac un OS X 10.3 or superiore, G5 1.8 GHz, 1.0 GB RAM, DVD drive. Nella realtà i requisiti di sistema sono legati all’utilizzo che si intende fare della libreria. Noi consigliamo, per un utilizzo soddisfacente,  una dotazione di memoria di almeno 2 GB ed un sistema Pentium di ultima generazione. Solitamente la Platinum viene utilizzata in  due differenti modalità: in una rete di computer (un computer per sezione), ovvero, per alcuni intrepidi, (come chi vi scrive) utilizzo su singola macchina con “steroidi” Nel secondo caso è tuttavia necessario utilizzare come campionatore Kontakt  od una precedente versione del Kompakt full, al posto del player che viene fornito con la libreria.  La ragione sta nel fatto che il nuovo player ha dimostrato nel corso delle prove un eccessivo utilizzo della memoria Ram (Fig. 3 – EWQLSO). Siamo praticamente certi che a breve la Native Instruments rilascerà una versione aggiornata risolutrice di questo problema. Utilizzando Kontakt o Kompakt  si può notare, con piacevole sorpresa, che è possibile  caricare (anche se con  qualche piccolo accorgimento)  su un solo computer un completo setup sinfonico con risoluzione a 24 bit.

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OGGETTO: Il Qlegato

Annunciato a suon di fanfara,  con chiara intenzione di non avere nulla da invidiare  al “cavallo di battaglia” della  libreria Vienna, il qlegato ha suscitato alcune perplessità  sin dal primo ascolto di demo “bootleg” diffusi in rete. Lo scopo dichiarato era quello di offrire una suonabilità e fluidità in grado di replicare l’effetto legato. Paradossalmente  il maggior problema del qlegato si è rivelato essere proprio nelle sue premesse iniziali. Le nuove patches programmate da Nick Phoenix non vanno viste in rapporto alle performances VSL. Queste ultime incorporano le registrazioni di tutti i passaggi da nota a nota (i minuziosi slide), mentre il qlegato si basa soprattutto sul trattamento e l’arrotondamento degli attacchi. Suonato nella pratica, il qlegato ci è apparso come una buona soluzione di programmazione degli attacchi, consentendo l’esecuzione di note  consecutive ad una certa velocità, senza  mostrare  variazioni di tono verso l’alto o verso il basso, tipiche del legato di VSL. A noi è sembrata una soluzione utile, da intendersi come soluzione  “a sè”, senza effettuare  confronti con la casa viennese.

Nuova organizzazione dei suoni:

Cambia radicalmente il modo di organizzare i suoni nella libreria. Probabilmente proprio a seguito di segnalazioni e suggerimenti degli attuali utilizzatori della prima versione, i suoni sono stati organizzati, oltre che per tipologia di microfonaggio (close, stage e surround), anche per durata. Infatti le macrocategorie di suoni per ciascuno strumento sono Long (suoni di durata lunga), Short (staccati e similari), Effects (effetti sonori, swells e quant’altro ottenibile in maniera non convenzionale), Modxfd (patches in cui il passaggio da un timbro ad un altro è gestito col movimento della Modulation Wheel, cc 1), e Keysw (patches con Keyswitch). Una organizzazione sicuramente migliore della precedente, essendo aumentate le articolazioni per ciascuno strumento.

I legni:

Finalmente passiamo ad ascoltare ed assaporare la libreria. Come nostra consuetudine quando affrontiamo un prodotto orchestrale, seguiamo lo schema di uno spartito “conductor score”,(Fig.4 – Conductor score) quindi iniziamo con i legni. Sono proprio i legni ad essere sempre stati  considerati il tallone di Achille della EWQLSO. Il timbro ora  è complessivamente molto americano, i legni suonano “chiari”, in particolare il clarinetto, l’oboe ed il fagotto. Le nuove articolazioni vanno a colmare i buchi lasciati dalle registrazioni originarie. Partendo dal flauto piccolo, questo è stato arricchito sopratutto sul fronte degli effetti, effetti così cari a compositori dal sapore hollywoodiano come John Williams. Ecco quindi che nella sezione “effects” compaiono “runs”, “falls” e glissandi sia  crescenti che decrescenti, davvero utili quando si realizzano composizioni a tempo sostenuto. 4Troviamo  oltre a  una nuova patch staccato “round robin” a 3 variazioni (per la cronaca, il round robin è quella funzione che consente di alternare tre note differenti quando si suona consecutivamente lo stesso tasto. La finalità è ovviamente quella di evitare l’effetto “mitragliatrice” con conseguente incremento di realismo), altre due “patches” Qlegato, non  però molto efficaci (come accennato il Qlegato risulta più efficace in altri casi). Il flauto da concerto introduce un nuovo “sustain” meglio “controllabile” (il precedente, nonostante un buon timbro, mostrava problemi se suonato a tempi un po’ più sostenuti) e  un vibrato più marcato e passionale; si denota poi un nuovo staccato che contiene anche suoni “overblown” sui layers più alti, nonché tutta una pletora di effetti come per il flauto piccolo. La sezione di tre flauti, salvo che per un paio di nuove patches, è sostanzialmente invariata. Anche l’oboe è rimasto sostanzialmente invariato, quindi non siamo in presenza di  nuove registrazioni, ma di alcune nuove soluzioni di programmazione, prima tra tutte una versione Qlegato abbastanza convincente. Inoltre sembra un po’ attenuato il problema di tuning che affliggeva l’oboe della prima versione. Del corno inglese vale la pena considerare esclusivamente  la nuova versione, che affianca, anche se poi di fatto sostituisce, (per la maggior parte degli utilizzatori, incluso chi vi scrive) il vecchio corno, davvero difficile da utilizzare; si trattava  forse dell’unico suono sicuramente non riuscito nella prima versione. Il nuovo corno è finalmente chiaro, espressivo ed usabile, con alcune patches particolarmente romantiche (l’ispirazione è onestamente dichiarata, cosa vi fa pensare qualcosa che si chiami “Miroslav…?”). Il clarinetto (Fig.5 – Clarinetto) è probabilmente uno dei miei favoriti, grazie a un timbro così americano è adatto a passaggi alla Aaron Copland. Le nuove aggiunte sono di tutto rispetto, apprezzabile  il nuovo sustain medio-piano, morbido ed adatto a frasi di matrice maggiormente classica. 5Un nuovo staccato ad alcuni effetti arricchiscono la dotazione di questo strumento dal suono molto ispirante. Anche Il fagotto necessitava di un layer medio-piano, necessario per passaggi espressivi alla Stravinsky, ed anche in questo caso il compito è stato portato brillantemente a termine. Nel caso del fagotto, poi, la versione Qlegato si rivela molto utile ed efficace. il resto dei legni ricalca in maggior parte la libreria originaria, con le utili aggiunte di patches “round robin” e qlegato di cui parlavamo prima. Cogliamo l’occasione per segnalare un piccolo “bug” riguardante l’intonazione di alcuni legni nelle nuove registrazioni. Abbiamo rilevato in Kontakt che il problema è principalmente legato alla programmazione, quindi niente paura, Nick Phoenix ha promesso a breve un aggiornamento tramite una piccola patch.

Ottoni:

Nonostante gli ottoni fossero uno dei migliori settori della EWQLSO, le aggiunte apportate sono davvero impressionanti. A balzare subito  all’occhio sono le tre nuove arrivate della  sezione trombe: la tromba piccola, la seconda tromba e la sezione di due trombe unisono. La tromba piccola è presente in un numero limitato di articolazioni, ma gode di un suono pulito ed usabile. La 2^ tromba singola ha invece una dotazione decisamente superiore, specialmente nella sezione effetti. Molto bella la patch sustain con vibrato. Un po’ difficili da usare le patches Qlegato, in quanto nelle trombe è determinante che si avverta l’attacco, concetto che nella nuova programmazione viene sacrificato  in omaggio a una maggiore fluidità di esecuzione. Discorso a parte meritano le 2 trombe, già definita, da parecchi arrangiatori d’oltreoceano,  come  la “star” della  sezione fiati. Timbro ideale per le fanfare, molto bilanciato e controllabile. Davvero ampia la gamma di articolazioni, aperte e mute, con numerosi effetti di grande usabilità quali crescendi e rips. Per quanto riguarda i corni, si è lavorato molto sulla riprogrammazione, in particolare sulla sezione a sei. Le vecchie patches risentivano di un  timbro eccessivamente nasale, specie a livelli di esecuzione più forti, al punto che era davvero semplice riconoscere la sezione della EWQLSO, in qualsiasi contesto questa suonasse. Le nuove patches sono decisamente più bilanciate e suonabili, condite da nuovi effetti come cluster, bend o il famigerato “Fx hell” (modo originale per definire quelle sequenze di staccati  tanto care al compositore Don Davis,  usate ampiamente  nella colonna sonora della trilogia di Matrix (Fig.6 – Matrix). A parte l’aggiunta della Wagner tuba, (Fig.7 – Wagner tuba) in versione sustain, staccato e “rips”, per gli altri strumenti sono stati aggiunti molti effetti di cluster e ripetizione. La presenza, poi, di numerose patches round-robin per quasi tutti gli staccati, mette la parola fine a quel fastidioso effetto meccanico che caratterizzava negativamente le trombe suonate a ripetizione.67

Archi:

8Gli archi della EWQLSO sono sempre stati l’oggetto del contendere tra detrattori ed ammiratori. I primi, nella maggior parte dei casi, denunciano una scarsa “classicità” dei suoni, i secondi amano la così stretta connessione al suono “hollywoodiano”, quel  timbro chiaro e  un po’ aspro,  tanto in voga nei “blockbuster” americani. Cosa cambia con la nuova espansione? Innanzitutto  l’aggiunta  di nuovi staccati e spiccati, specie per la sezione violoncelli e bassi, viene colmata finalmente  la lacuna della vecchia versione che rendeva complicata l’esecuzione di  passaggi ostinati in spiccato o staccato. Le numerose nuove patches  consentono finalmente l’esecuzione di passaggi particolari, quali ad esempio le furiose corse di archi dell’ultimo Star Wars. La seconda nota di rilievo riguarda le viole, ora sono davvero suonabili e ricche di articolazioni, incluso il tremolo, tanto rimpianto dai possessori della prima edizione. Molto belle le viole sordino, che usiamo in questo caso, a pretesto, per segnalare come ormai siano stati introdotti sordini per tutte le sezioni orchestrali (ad eccezione dei bassi). Davvero tante le “new entries” nella sezione archi. Volendo fare  veloce carrellata citiamo:  gli armonici nei violini, la sezione divisi di 4 violini e 3 violoncelli, le strings “flautando” e tutta una piacevole serie di effetti, inclusi i runs usati in “Psycho”. Nel caso degli strings l’aggiunta del qlegato ha risultati che potremmo definire alterni. In linea di massima a beneficiarne è  la suonabilità complessiva, va però evidenziato che in alcuni casi le patches qlegato finiscano per suonare un po’ “secche” rispetto ai compagni di sezione. Grande dotazione anche per gli archi solo, la comparsa della viola e l’aggiunta di molti suoni per violini e violoncelli. E’ davvero chiaro l’intento, a nostro avviso riuscito, di candidare la libreria anche ad utilizzi di tipo “cameristico”. Va infine notata l’introduzione del clavicembalo e del pianoforte (il classico Steinway B della scuderia East West) nonché importanti integrazioni  dell’ arpa,(Fig.8 – Arpa) con glissandi davvero vitali per assicurare l’utilizzabilità in  generi più disparati.

Percussioni:

Già fiore all’occhiello della libreria, oggi la sezione raggiunge una estrema completezza grazie a suoni addizionali quali  gongs, nuovi piatti, field drums, Toms da concerto, taiko drums, suoni sempre più utilizzati nei commenti sonori  cinematografici. Una strizzatina d’occhio insomma anche alla grande “True Strike” di Marteen Sprujit, libreria specificamente  dedicata alle percussioni orchestrali. Finalmente ritroviamo la celesta, grande assente della prima versione, in un timbro usabile e piacevole, nuovi mallets come la marimba. Molto utili anche il waterphone (per intenderci quel suono di ferraglia così dominante in Matrix) e gli sleight bells (per agli amanti delle atmosfere natalizie), Complessivamente la sezione percussioni non lascia spazio ad insoddisfazioni di sorta. Cogliamo l’occasione per segnalare quello che, a mio avviso, è uno dei tanti grandi pregi dell’intera produzione East West Quantum Leap: l’integrabilità tra prodotti. Se infatti uniamo alle percussioni della libreria compagni quali Stormdrums o Percussive Adventures ,(Fig.9 – Percussive Adventures) il mix ottenuto risulterà  ottimale senza che siano  richiesti di eccessivi sforzi, questo rappresenta di sicuro  un punto a favore  della caratteristica “modulare” della  Symphonic Orchestra Xp Pro.

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Il futuro probabile della EWQLSO: lo scripting

Grandi cose stanno evolvendo in casa Phoenix-Rogers. Appena un paio di mesi fa è stata  annunciata la lavorazione in corso di una versione della libreria completamente basata sulle nuove caratteristiche di “scripting” di Native Instruments Kontakt 2. Questa funzione consente di programmare, con una sintassi simile a quella di tanti linguaggi attualmente in uso, il comportamento degli strumenti, condizionandolo all’accadere di determinate condizioni, come ad esempio nota di arrivo o di partenza, ovvero pressione del tasto, solo per citarne alcuni. Le possibilità sono praticamente infinite.  Nel caso in oggetto lo scopo è quello di emulare, mediante complessi algoritmi, i movimenti di “pitch” e “slides” che generano il cosiddetto “legato”. La possibilità è davvero ghiotta e regala alla libreria  una nuova prospettiva, sopratutto perchè il legato resta il sogno inconfessabile di tutti gli affezionati utenti della EWQLSO. Aggiungo in proposito che circa un mese fa, uno sconosciuto signore americano ha messo in rete (gratuitamente) uno script che davvero fa miracoli in merito. Per saperne di più vi consigliamo di visitare il forum alla pagina www.vi-control.net ove potrete scaricare lo script suddetto nell’apposita sezione dedicata. Noi lo abbiamo provato ed i risultati  promettono davvero bene, tra l’altro molti altri scripts sono stati annunciati e in arrivo.

Conclusioni:

Una delle caratteristiche più interessanti dell’intera libreria e la perfetta omogeneità dei suoni. Mi spiego meglio: molte volte abbiamo dei VST che da soli suonano benissimo, nel momento però in cui provvediamo ad  integrarli  con suoni acustici o altre librerie, si fatica a raggiungere un mix  che si amalgami a dovere. L’aggiornamento costa, e neppure poco, ma si allinea ai prodotti concorrenti. Il sistema si rivolge in special modo ad un target di professionisti , impegnati nella realizzazione  di colonne sonore televisive e teatrali, coloro insomma che preferiscono focalizzarsi sulla composizione piuttosto che sull’aspetto ingegneristico del suono. La qualità della simulazione è davvero ottima, il timbro ricorda da vicino la “Hollywood Symphony “ orchestra ed in generale la timbrica delle orchestre del grande Goldsmith (è il riferimento più istintivo che ci viene in mente al momento in termini di sonorità). Molto importante anche l’aspetto camaleontico della libreria: la EWQLSO Platinum Xp pro consente, infatti, di ottenere un suono da “scoring stage” oppure da hall sinfonica con pochi click del mouse, regolando i microfoni e senza artifici legati all’applicazione di riverberi fittizi. Il software si pone come valida alternativa a chi non ha  mezzi economici  tali da poter onorare la parcella di un’intera orchestra, un’ottima soluzione  per testare la potenzialità delle creazioni e l’eventuale interesse da parte di un produttore. Qui non si parla di poter sostituire gli strumentisti, è indubbio però che chi ha una buona cognizione della musica e conosce le estensioni su cui lavorano gli strumenti, ne trarrà un grande beneficio. Va detto, ed è un particolare importante, che molti dei musicisti in passato esasperati per la lunga attesa sono adesso in costante dialogo con Phoenix e Rogers, a dimostrazione che il prodotto realizzato non ha deluso le aspettative. A proposito di Hall, utile citare che la Platinum è stata registrata, sia nella versione originale che nella “espansione” Xp Pro con la supervisione del musicalmente pluridecorato Prof. Keith. O. Johnson,(Fig.10 – Keith. O. Johnson) ingegnere del suono con un impressionante palmares di lavori svolti.

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Ultimo minuto:

11Pochi giorni prima della  consegna dell’articolo ho  provato in anteprima il nuovo sistema Kore della N.I. (Fig.11 – Kore) e ho installato  la Platinum XP su questo nuovo motore. Non posso esprimere a parole l’emozione provata, finalmente ho visto  un sistema a 64 bit  lavorare con 4 GB di RAM. Ho utilizzato al meglio la libreria ed ho manipolato, mediate il controller nativo di Kore, i suoni in tempo reale, realizzando dei “banks” personalizzati. Il computer finalmente ha “ripreso fiato”, che bello potersi  dedicare completamente  alla stesura dei brani  piuttosto che stressarsi a  fare i conti  sulla quantità di CPU utilizzata da ogni singola traccia. Sappiamo bene come a volte l’adozione di un suono di   “compromesso ”, inteso come sacrificio necessario al risparmio di risorse, possa pregiudicare il risultato finale e allontanarci inconsapevolmente  da quello che in origine ci ronzava nella testolina. La possibilità di cambiare i parametri del suono in maniera sbrigativa  permette l’apprezzamento ulteriore della qualità timbrica di ogni campione potendo questi essere forgiato volta per volta in base ai propri gusti personali.  Risultati strabilianti sono stati ottenuti anche con un PC portatile di ultima generazione senza aver riscontrato gravi  problemi di affaticamento della  CPU.

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A scuola di Theremin

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Basically everyone knows it unconsciously, in particular I am referring to the last century “boys” who have gradually achieved a subliminal acquaintance with the standard sinusoidal hiss. In fact, since 20’s, each respectable horror movie, each suspense-generating scene, each respectable monophonic synth, considered its presence as necessary and indispensable…yet, despite of its acquired familiarity, every time you have the chance to see one with your own eyes, it is always a surprise: we’re talking about Theremin!

THEREMIN’S FUNCTIONING


Theremin is the first electronic instrument in history (Picture 1), named after its Russian inventor Lev Termen in 1919. It is basically made up by two antennas, one upright and one looped to the side of a case in which the electronics is put up. Its control consists in moving hands towards and away from the antennas: through the upright one (vertical rod) you can control pitch , while the left one (horizontal rod) you can control volume. With a series of dials (Picture 2), depending on the type of wave and on some variable filters, timbre can change between a violin’s one and human voice’s one: typical of “wave” or “brightness” sequence. This instrument is considered the most difficult to play just because it must be played without touching it. PHYSICS OF THEREMIN: The physical principle of Theremin’s functioning is based on beating two waves together. Two oscillators produce a same wave with a higher frequency which means non-audible in quiet state (ultrasound range). By connecting an antenna to the condenser of one of the two oscillators, any mass, such as a musician’s body for example, that falls into its range of action varies the condenser capacity and consequently the frequency of the generated wave. By the difference between the two frequencies (which are not the same anymore) is generated a third one (this phenomenon is well known among musicians as the third sound principle). By setting the system properly it is possible to hold this final wave within the audible range of 20Hz- 20Khz and so we get a sound that can be heard by our ears. The volume antenna is the earth-ground of a second variable condenser. In this case the oscillator varies the amplification circuit. The distance between the performer’s hand and the antenna (Picture 3) determines condenser value and the course of the volume curve.

TIDBITS

Leon Termen (Picture 4) the Theremin’s inventor, after the success of the instrument, was called “Theremin” by everyone and often it is the only one name we find in his biographies. Termen had the idea for this instrument while doing some experiments for the army with valve amplifiers: He noticed that sometimes a variable frequency hiss was produced as he changed the distance between his hands and the valves. Being a musician himself, he sensed its utility and developed the idea so to get to build an out-and-out instrument which was called “eterofono”(Thereminvox). In 1957 “The delicate delinquent”, the comedian actor Jerry Lewis “plays” a Theremin he accidentally ran across in the attic. The greatest Theremin player in history, Clara Rockmore, was a child prodigy on the violin, still the youngest student ever admitted to the Imperial Conservatory in St. Petersburg (at age five). She started studying Theremin as she couldn’t continue her violin career because of bone problems due to childhood malnutrition. John Cage understood the instrument’s capabilities and talked about it in the conference “The future of music” highlighting its expressive opportunities. Paradoxically he did a very little use of it as well as all the vanguard musicians in 30’s! Soon after the end of world war two Theremin fell into disuse. Robert Moog (Picture 6), a high school student, in the 50’s began to build Theremin’s circuits and to re-release the instrument Lenin, the Russian dictator, started to study Theremin after watching Termen playing it in 1920. He was so enthusiastic about it that he ordered not less than 600 of them to distribute in Soviet Union and paid for a Termen’s journey to promote the instrument. Termen disappeared in 1938. Kidnapped by the K.G.B. and interned with many other scientists to a labour camp in Siberia, he showed up 30 years later. Soon after the Theremin’s invention, with the same principle, Termen worked on an antitheft alarm (Burglar alarm) which is still very popular to these days. In the 70’s Termen started teaching her nephew Lydia Kavina (she was 9 years old) who is considered the greatest contemporary classical thereminist.

…and in Italy?

We have been visiting the only one italian school that provides a yearly course in Theremin, the “Accademia Musicale del Vallo Di Diano” (Picture 7) in Sala Consilina (Salerno), more precisely it is settled in Teggiano’s site (Salerno) where the Academy is provided with a recording studio located inside of a suggestive episcopal seminary founded in 1500. To illuminate our way came Fabio Pesce, informatic engineer and music as a vocation. The adventure starts with an open door to the studio, a dim light, and a long stone hallway swayed by a scary hiss. I’m following him with a mix of anxiety and curiosity…

Fabio Pesce (Picture 8) Informatic Engineer and musician, graduated at the University of Pisa, works on building a software of music synthesis by the Music Informatics Centre of the CNUCE Institute (National University Centre of Electronic Calculation) of the National Research Council of Prof. Tarabella. Since 2002 he is a teacher in “Steinberg Educational”. Hardware and Software advisor for recording studios and for musicians on the italian territory; courses, masters, postgraduate education in Music Informatics. Since 2004 he is the person in charge of the two-year musical informatics course and sound engineer at the “Accademia musicale del Vallo di Diano” in Sala Consilina and in Teggiano (Salerno) which has been followed by the first italian permanent course in Theremin in 2008.He has been studying Theremin with the best teachers in the world such as Lydia Kavina , Barbara Buchholz, Carolina Eyck, Randy George and Wilco Botermans and has been performing in many Theremin Orchestra shows with Lydia Kavina in Germany (Without touch 2and 3, Electronic Art Party 5) and in England (SW4 and SW5). He has been playing classical Theremin in duo with the organist Tonino Angone and electronic music with Chris Henkel (o8o8.de). He is also holding a solo show. In 2009 he recorded the Vulkano cd with the saxophonist Gaspare de Vito, Chris Henkel (synth) and Gordon Charlto(Theremin and effects) – AMV editions – which has been included in “Sonic Weekend 4” and “Sonic Weekend 5” compilations produced by White Label (UK). He mostly plays a Etherwave Pro by Moog.

 

Antonio Campeglia: Let’s talk about your Theremin….

Fabio Pesce: Let me introduce you the first electronic instrument in history. The only one which is played without any physical contact. It was 1920 when the Russian inventor Leon Termen (lately called Theremin in western countries) played it in front of an amazed Lenin. These are the latest two models that have been produced by Moog in the latest years: an already rare Etherwave Pro, also known as the Epro (Picture9), and a standard Etherwave

AC: There would also be an Etherwave Plus, recently realised….

FP: I know it, I know it , but i am still waiting to get it. It is a mix between the two , a modified version in order to be competitive into the consolidated market of controllers. Playing a Theremin in a classical manner is way too complicated for the average musician, it requires too much commitment and mainly time. By the Bob Moog’s death, in 2005, coincidentally, there has been also a growing lack of attention in Etherwave Pro. At that time it would take 1500 dollars to buy an Epro when it was still for sale. Not a low price if you consider that the 90% of the sold ones was going to become some pieces of furniture or to be used only for some vintage effect sound. Nowadays Epro has become not only the most desired model, very hard to find, but, in this case, it would take a higher amount of money, a good three times the initial price. I bought this one in California, it is the number 347. AC: What price?

FP: At least 700,00 euros for import duties, not much left to say, it’s a bit painful… Back to its production, Bob Moog really put his heart in it, he loved Theremin very much and as a matter of fact the professional instrument has existed until he was alive. When he died, the Moog house has pushed more into realising a lighter and cheaper product, the standard six octave range Etherwave, less precise but more versatile. It’s an understandable marketing logic. Differently from the previous one they had to sacrifice CV outputs, tuner and headphone outputs, sub bass and high register, aesthetics and mainly the linearity which has made the Epro the most stable model by far. Etherwave was born to be used more as a controller and in fact it has had a larger spread thanks to Thereminsts, foleies and sound engineers. In the Plus version outputs for CV, tuner and headphone have reappeared. I would not talk about linearity, I should play it to tell about it, but it must be as linear as the standard version since they even sell its upgrade separately.

AC: How did this passion begin? Engineering and music, a hard pair.

FP: I have been living in Pisa till 1999, where I graduated in Engineering. For about nine years I’ve been working as a professional musician: guitar ( an Ovation that I still play), keyboards and also a bit of singing when it was needed. When I had to choose a degree thesis I was fully aware I could not try to project computers or microchips… so I tried to rejoin my old muse somehow. I discovered that a certain Prof. Leonello Tarabella was the director of the musical informatics lab at CNUCE (National University Centre of Electronic Calculation ) in the CNR area (National Research Council) in Pisa. I did my best to get there and I made it, but it was not so easy. I was not really aware of what I’d have had to do ( and maybe neither was him) anyway I have been there for a good two years, it was an unforgettable experience. Professor Tarabella was (and still is) specialized in gesture controlled applications. Some typical applications were the “imaginary piano” (Picture 10), where a pianist sat on a piano stool playing a non-existent piano in front of a camera; a virtual brush that a painter mimicked in the air with a recognition system that allows the graphic interpretation of his gestures to be watched on a giant screen (I still remember a Windows 98 blue screen error on a 10 square-meter screen in Lucca during a show) and above all the “twin towers” application born when there was nothing to fear of. The musician had to move his hands on a rectangular board while some infrared led emitters and sensors were reading each hand’s distance and converting its analog signals into midi signals. Basically it was a sort of modern Theremin, volume and pitch. Anyway I was working on projecting a synthesizer software Csound alike or similar, but the “without touch” seed had already been planted.

AC: I thought I understood that your first Theremin was previous than 90’s. FP: Yes, indeed. When I left Pisa for Napoli, I’ve been working really hard to be an engineer in capital letters. Software, hardware, projects. Then Youtube was born and one day I saw someone playing Theremin. When I saw it, perhaps in 2004, it was like Colombo’s egg and something awakened inside of me. I even remembered that I have been publishing an article during CNUCE experience about Theremin, for some historical notion. It was love at first sight. Yes because that’s what happens with Theremin. All the respectable thereminists , those who have a deep passion for this instrument, are some sort of a little community, like motorbikers who own a Harley-Davidson. There aren’t many of them around the world and they nearly know each other, they have their own international mailing list, a forum and even a web-radio which broadcasts only theremin music. They also do meetings in places around the world. Since that day, I never stopped playing it. I bought the standard model and when I got so good at it to understand that I had to get something better I started searching for an Epro all over the world.

AC: What kind of music do you play and teach?

FP: To be honest with you, I am a bit of an eclectic player, but I prefer the classical and pop music instead of the electronic one. I use the verb “prefer” because it is not by chance that in Germany there is a beautiful amount of traditional old synthesizers from the 80’s music, therefore when I go there and play, I often find myself in pure electronic music environments , experimental live shows, electro-acoustics. In Monaco I am working on a project with Chris Henkel (Picture 11), we are known there with the name of “o8o8”. In England I am taking part in many White Label’s projects, an independent english label which is into some experimental music. Even there we are moving into improvisation but with self-built instrument or adapted ones. Sonic Weekend is a yearly event that requires the “abduction” of 20 musicians coming from all over the world to record a cd, more or less in this genre ( I took part in two of them). In Italy I try to conform myself but I mostly tend to classical music. I have a project with the organist Antonio Angone , we make classical music and soundtracks with organ and Theremin, Ewi and LoopStation, Pamelia Kurstin genre alike (endorser Theremin by Moog that I appreciate as well) but using more instruments (Picture 12) While in the Academy we teach a bit of everything, it depends on the student’s demands, courses are mostly individual, so you can adapt them. There are djs that want to upgrade their repertory with effects, some percussionists who want to add new sounds to their set, some others instead who wants to do the classical or pop procedure. By now Theremin is evolving approaching many genres. It is a very versatile and suitable instrument with some defaults. We also do some stages during weekends because Theremin requires long time in a learning process and often physiological time. In some cases it could be more productive doing some more intensive sessions letting out some more time between one lesson and another.

AC: Don’t you think that the Thereminist’s technique has been fossilized in time and has nothing left to communicate in a creative sense?

FP: Clara Rockmore revolutionized the classical technique with her “aerial fingering” (Picture 13). Previously it had been played using a “bird beak-shaped” hand, in a much more limited way. From then on it has been passing through a lot of evolution attempts but not so different from the original form. I did developed a technique of my own that I called HS Theremin (High Speed Theremin) which allows very fast crossings between the notes with a good precision; I have always been obsessed in refreshing my repertory and in order to make it you must be good at playing almost everything. Instead in electronic music its evolutions have been immeasurable. I have witnessed myself someone connecting a Theremin to some fan blades (Aliens Project) or playing it with a big screwdriver (Gordon Charlton). I am not arguing about its utility, but it is interesting that there are people willing to get new sounds and experience new stuff. This Academy has in Lippstadt, in Germany, a sort of cultural interchange with MusicskuleLippstadt which every year arranges one of the biggest events about worldwide Theremin, it’s called “Without Touch” (now at its third edition) and even there you can see musicians from various backgrounds coming from all over the world who play the instrument in the most peculiar ways across many different genres.

AC: What do you learn in a Theremin course?

FP: Teaching Theremin from a classical point of view (but also in a contemporary way) requires self-denial and restraint comparable or even further than other instruments’ one. Since the body is equal part of the instrument, it only takes a deeper breath, an unintentional movement, a bit of itch to make the performance blow up. The Thereminist cannot be so free as other instrument players who lead the note with body movements. Here the torso almost stands still, while hands follow the notes and tangles in a few centimeter area. The 12 semitones of an octave are generally in the area of a hand hanging in mid-air, the distance between a C and a C sharp is about half a centimetre range. The first steps, after the discover of this instrument, are about the breath control and the posture which is not so easy as it may seem. The body must keep as firm as possible on the ground and mainly during all the concert time through. Gordon Charlton, an english musician friend of mine, wrote a book recently (The Beat Frequency Method – Theremin for the Sonic Explorer. – Edit – ) where he claims that the best theremisnist’s posture is a martial arts athlete’s one. More precisely the Karate’s one, the most used, spread legs with low basin (Picture 14), or the Tai-chi’s one with a slight outstretched body, right leg (clockwise) more projected bend knee, right foot firm on the ground and the left foot perpendicular (Picture 15). Posture is primary because it determines the most of the note’s precision. Lately some plays while sitting to reduce the variability and to improve the balance: If you are sitting on a chair perhaps you stop the tradition but you don’t have to be “karate kid”! Everyone of us, when standing still, oscillates involuntarily and this represents a serious problem with Theremin that must be corrected. Anyway every position ends up in tiring our body if held for a long time, therefore, whether sitting or standing tall, it is important that it is a comfortable position. Finally we work a lot on the ear, on being able to understand which tone you’ve reached and try to hold it as long as you can. For those who haven’t got an absolute pitch , without an accompaniment or a note of reference it is very easy to slip into other tones or half tones. Even instruments like violins or cellos suffer from similar problems about pitch but, even though they haven’t got any key, they offer musicians the possibility to orientate through a note played in vain by a string.

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AC: What about attacks? How can you begin to play a piece of music without hearing the note?

FP: Now it is getting a little more complicated because whether you have an absolute pitch or not the first note is always a problem that keeps on showing up at every track’s pause. There are some techniques of which one is unfailing: sending a pitch preview to headphones! The Epro and the Plus have a tuner output which is always on, also at a low volume. Even standard Etherwave can be modified to host a tuner output. If you send it to headphone, that’s it! Despite everything, this technique doesn’t seem to get so much consideration even though it is very well used. Somehow it’s like misplaying and cheating, on the other hand it is not so easy playing a track trying to give it some kind of expressivity with a persistent hiss in your ear that you cannot even stop by turning down its volume. Another similar option is to put a visible tuner ahead of Theremin. However the most used technique is the english one, which they call “fishing” the note. Basically it is based on trying to pick up a note giving little taps to volume to hear the note, so gently to be nearly heard. In general the “fishing” technique works well if the musician can hear louder than the audience through a monitor which should be ahead or behind him. More ancient in terms of style is the way of finding the note with an initial glissando to stop at the right point: it is a secure system although the result is questionable for the track will be full of unwanted glissatoes and portamentoes. Honestly I teach all of them but I prefer fishing with the help of a visual technique that catches the area where the note should be. The musician goes straight to the area where the note should be in order to avoid many attempts. In general a couple of listen are enough to catch a tone. The rest of the course is divided between various musical exercises, tuning, effects, some technique to improve performance speed and getting a relaxed hand. Last but not least, a series of information about the Theremin place on a stage. Still this aspect shows its uniqueness since it is an instruments that requires a physical space. It’s not only about avoiding another musician or a careless photographer getting into his reach but even other engine’s interferences. It is a real problem when on stage there are more than one Theremin. Epros are by far the most hard to place because they have a very high interfering potential. A usual situation is when you are tuning a Theremin close to perfection then you turn a microphone on with a wrong frequency and bzzzzzzzz.

AC: What can you tell me about studying Theremin? Theremin is not taught at conservatories and, mainly in Italy, neither is there any school for it, nor a big interest about it. That’s why we decided to start a course. Valid musicians are really few, less than fingers of one hand. Even though it is considered the most difficult musical instrument in the world (try to catch a note in the air and then you tell me!) it is the most easy to be played in a wrong way as well! It only takes a little shaking in front of its antenna to get a rather good sound; children, for example, are really enthusiastic about it (actually adults are too) and on the internet you can see a lot of videos where cats gone crazy play Theremin. What you need is a lot of ear because you have to keep in mind the distance between the notes and not to lose its tone. Clara Rockmore (died in 1998, – Edit -), considered the greatest thereminist by far, not a coincidence she was a Bob Moog and Theremin’s friend, claimed that Theremin could not be the first instrument to learn. Apart from the electronic genre there are no requirements, the classical one needs instrumental basic notions to approach Theremin’s use. That’s the reason why, if the student is completely clueless about it, we have him attending lessons in an another instrument (whatever). It is too hard to learn a rule for an instrument that actually doesn’t have any rules. The difference between a note scale rather good played and a perfect one, often is the result of a hundred rehearsals! Your hand must get used to a precise gestural memory, otherwise any performance would not be played again in the same way. No thereminist is flawless, I say it from my own experience. Practicing is the main aspect, and tracks must be learned by heart and then played, you have to visualize the note in your mind before playing it, a little hesitation can be fatal, something like singing….but with hands. Paradoxically that’s what causes a musician’s dependency on this instrument: if you have a good ear you are always close to the note but never where you really should be. So you have a perception that you can do it but it is often a momentary security that keeps you practicing on and on trying to get better. When it comes to playing a Theremin your body is a part of the instrument itself. Everything depends on the way you breath, on the finger’s length, on what kind of Theremin you are using and even on how much you weight and on your basin’s girth (it is not a joke, thereminists with a protruding stomach sometimes brush by the volume antenna, if they don’t adjust their posture they are not able to produce some “crescendo” , “forte” or “fortissimo” parts or even they are not producing any sounds). AC: How did you proceed your studying?

FP: After learning, with my own strength, what I could, stealing here and there some techniques and advices, I went to Germany and to England where it is well known and there is a lot more tradition in studying it. There I met, knew and studied with most famous airwaves ladies: Lydia Kavina (Picture16) Leon Theremin’s granddaughter, who is considered the world’s greatest living performer of classical Theremin, Barbara Buchholz with her unique jazz technique, Carolina Eyck who published a method of her own which – even though I partially sympathize with it – made me understand that you can teach a less personal technique from it.

AC: What about Theremin’s use as a controller? FP: There are many possibilities, it depends a lot on the type of instrument. If we talk about Epro and Eplus we have a CV output and so we are able to control synth and effects through that endowment. You can convert CV to MIDI if you want and that’s the real deal. The most peculiar CV use I have ever seen is by controlling a Moog guitar that has got a CV-in. Technically you move yourself holding a guitar in your hands close to a Theremin and the guitar plays emulating a sweep picking. There is another adaptable possibility to every Theremin via software. I developed a software of my own for personal use only that allows me to convert Theremin’s sound into MIDI. The sound by its own nature is well suitable to conversion. By connecting virtual instruments the result is really impressive. You are able to play any VST opened on the computer (Picture 17).

AC: Theremin is an analogic instrument: The A/D conversion transforms it as it was naturally digital: did you find a way to avoid gaps between the notes?

FP: In reality using its software in a standard way if you do a glissato you hear a scale instead (ta-ta-ta-ta- and not taaaaaaaa for example). It’s because it depends on the virtual instrument for I was able to send the notes without setting them as pitch shifting. If for example you use instruments that can support analogic pitch shifting (para-analogic) it surely works better. For instance, a VST or a FM7 or a Korg works better than others because they are not sampled but produced in real time, so latency apart, they can play a shift correctly.

AC: What future is there for an instrument that is already 90 by now?

FP: Despite of its age, I believe that Theremin is a young instrument in future prospects. Music since the 20s to date has changed a lot. Termen was a revolutionary, ahead in time at least decades in comparison to the real instrument’s possibilities. Electronic music today is widely spread and not just an experiment anymore. Theremin is suitable in many environments and many roads still have to be attempted. Its use as a controller is still rather recent and it will grow along with software and hardware evolution.

AC: We might as well wait for the Plus version and test it….

FP: I’d love to, it would be a pleasure to test it together. AC: Then, I’ll see you next time!

Italian to english translation: Umberto del Giudice

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